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GALLERIA  JAZZ  DEI  PRIMI  DEL '900

L'etimologia della parola JAZZ, e' sconosciuta, ma il grande Dizzy Gillespie diceva

che "jasi", in un dialetto africano, significa Vivere ad un ritmo accelerato.

Nella realta' esistono molte versioni sulle origini di questa parola, forse deriva

da "chase" (caccia), o dall'inglese "jasm" (energia) o addirittura ancora

da "jazz-belles", con il quele venivano chiamate le prostitute di New Orleans.

I musicisti venivano chiamati infatti "jasbo" e "jass", parola sconcia con la quale

(nelle case di tolleranza dell'epoca) si incitavano i clienti a ballare.

 Il jazz è un linguaggio musicale estremamente emozionale, nato dall'improvvisazione, ma

che necessita allo stesso tempo di notevole tecnica; basato sulla varietà

ritmica e del fraseggio, su giri armonica e splendide melodie.

Pur essendo principalmente musica strumentale, il jazz ha espresso nel tempo, a cominciare da

 quella di Bessie Smith, voci straordinarie per intensità, calore interpretativo e tecnica.

Il jazz nasce e prende forma con l'affermarsi nella società americana della minoranza

 nera, ma discende da quando gli schiavi neri d'America si erano inventati la loro musica:

 memorie di ricordi africani trapiantate

sulle sonorità popolari dei bianchi e contaminate dai canti religiosi cristiani.

Dapprima il canto accompagna il lavoro (il blues) quindi diviene preghiera (spiritual e gospel).
Ma possiamo dire che l'inizio si puo' identificare in New Orleans.

La città di New Orleans, sul finire dell'800, era un insieme di popoli e razze, essendo

stata dominata, nel tempo da spagnoli, francesi, inglesi e anche italiani.

Qui e' nato il jazz, anche se in molte zone degli Stati Uniti, contemporaneamente, il particolare

modo di vivere la musica da parte dei neri era presente sin da epoche remote.

 New Orleans costituì, però, il baricentro delle tendenze e degli stilemi originari del jazz.
 

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Peg Leg Howell (primo a sinistra) e la sua street gang

Jelly Roll Morton

Jelly Roll Morton (1885-1941)


Ferdinand "Jelly Roll" Morton was born in 1890 in New Orleans. Or maybe, in 1885; he later claimed to have invented jazz in 1902, which would

be more plausible if he had been born in 1885. Although his gravestone shows 1890, three Chicago Tribune reporters in 1999 say that his letters

and other documents support the 1885 date (see link above).

There is some justification for the claim that he invented jazz: His Jelly Roll Blues (1915) is considered the first published piece of jazz music.

This was two years before  James P. Johnson pioneered stride piano.

(Pianists who have attempted to play Jelly Roll Blues may appreciate the commentary by Richard Trythall.)
 

Why, if Morton invented jazz in 1902, did he wait until 1915 to publish Jelly Roll Blues?

 Here's what the Chicago Tribune reporters (see link above) wrote about that:

Though Morton was a walking encyclopedia of jazz tunes, he never sold them as sheet music because --like most of the old-time piano professors -- he was terrified of publication.

 Morton came of age when hot piano players from New Orleans to Chicago made their money dazzling listeners with the originality

 of their riffs and the novelty of their keyboard tricks. Morton, for instance, could make the piano roar like a lion by rolling his left forearm

 across the low end of the keyboard, as he did in "Tiger Rag."

Jelly Roll Morton had some classical piano training, one reads, but apparently the names of his teachers are lost.

His father (who abandoned him) and his stepfather were both trombonists.

 He couldn't have had much classical training, because he was a poor sight reader, and allegedly didn't have a "first rate technique".

(I wonder who would dare to say that! but it is repeated here and there without attribution.)

Somehow, though, he learned to play jazz, ragtime, and the blues in his teens--after all, he lived in New Orleans, the birthplace

of jazz--even though I can find no record of who his teachers were.

 He left New Orleans in his late teens, lived briefly in Los Angeles, and at age 33 (in 1923) moved to Chicago, where he came

into his prime as composer, pianist, band leader, and recording artist. He recorded a historic series of interviews with

Alan Lomax at the Library of Congress, and lived for a while in New York.

In the 20s in Chicago, Jelly Roll published a number of hits with Melrose Publishing, and hit the peak of success, as the Chicago Tribune article describes vividly:

On the road across the Midwest in the '20s, Morton and His Red Hot Peppers (a changing lineup of half a dozen musicians) averaged a

then-staggering $1,500 a night. The band traveled in high style in the Morton tour bus, the leader in his own roomy Lincoln.

 The success showed on every inch of Morton. He gilded himself with diamonds literally from head to toe.

They glimmered on his fingers, tie-pin, watch, belt buckle, sock supporters and even on a front tooth, the unlikely setting for a half-carat rock.

But from there it was downhill. He moved to New York in 1930, but didn't meet with success there, and "Morton no longer had

 a band to play his music, a record company to document it or an audience to listen to it.

The gaudy showman who owned two luxury cars and more than 100 suits in Roaring '20s Chicago was reduced to hocking his clothes for food in 1930s New York."

 (Presumably the diamonds had already been hocked!) Jazz had moved on:

Duke Ellington and Cab Calloway were kings, and "the only job Morton could get in Manhattan was leading the

house band at the Rose Danceland, where women dirty-danced with paying customers, 10 cents a turn.

 RCA bought Victor Records and canceled Morton's recording contract.

The Chicago Tribune article documents how Melrose (his Chicago publisher) cheated Morton by writing

 unused and unapproved "lyrics" to Morton's compositions and listing himself as "lyricist" on the copyright, then paying himself royalties.

Scandalous and reprehensible though it is, that doesn't account for Morton's downfall--musical fashion had just moved on.

After five years of failure, Morton moved to Washington, D.C., where he tried to make money as a fight promoter.

That went nowhere, and he kept alive by playing piano in a saloon.

It must have been a rough saloon since one night he was stabbed by a patron.

That may have been the final straw--he moved back to New York, where he started his own music publishing company.

Fashion had changed again, this time in Morton's favor, as there was a revival of interest in New Orleans jazz, and he performed solo in 1939.

Then fate struck: he was hospitalized with a heart attack. In 1940, in declining health, he moved to Los Angeles, apparently

hoping to inherit some diamonds from his godmother (who was she?). That didn't happen, but he formed a new music

company and "led a new group of musicians", although he was too sick to perform, and on July 10, 1941, he died of heart disease.


 

Louis Amstrong

Louis Armstrong e i suoi "Hot Five" nel 1926

Count Basie

William «Count» Basie, il «Conte», ha attraversato fino alla morte avvenuta nel 1984 tutte le fasi stilistiche di questa musica.

 Alla vigilia della guerra la sua big band era fra le importanti del mondo:

in ogni decennio successivo l’orchestra ideò un nuovo modo di intrecciare scrittura e

improvvisazione e ancor oggi non c’è formazione che non debba qualcosa al «sound» di Basie.

All That Jazz: la leggenda  della foto impossibile

Cinquant'anni fa, nell'estate 1958, Art Kane, ebbe un'idea "irrealizzabile"
mettere insieme in una strada di Harlem tutti i grandi jazzisti dell'epoca d'oro
di GINO CASTALDO

La foto di Art Kane del 1958
PROVIAMO a immaginare.

Cosa sarebbe successo se ognuno dei presenti avesse portato con sé il suo strumento?

Facile, sarebbe stata la più grande jam session di tutti i tempi.

Ma anche così, silente, immutabile, la foto rimane sensazionale, probabilmente la più famosa di tutta

la storia del jazz, e fu scattata esattamente cinquant'anni fa, da Art Kane, un brillante art director che fino a quel

 momento non sapeva ancora che sarebbe diventato un fotografo.

L'idea partì da Robert Benton, allora editor della rivista Esquire, poi sceneggiatore di successo e regista (Kramer contro Kramer).

Benton voleva celebrare quella che veniva percepita allora come l'età d'oro del jazz, la golden age, il massimo

 periodo di fulgore della musica afroamericana, considerando che in quel momento il jazz traboccava di straordinari interpreti.

Le generazioni degli anni Venti, Trenta e Quaranta si erano accavallate per cui c'erano ancora le personalità

delle origini, i padri fondatori come Armstrong, i maestri d'orchestra come Duke Ellington, ma c'erano

stati anche i boppers, il cool jazz e i moderni, giganti come Miles Davis, Sonny Rollins, Monk, Charlie Mingus, in una

simultaneità di impressionante ricchezza.

Ma come celebrare questa grandeur?

Benton pensò di chiamare Art Kane, allora brillante art director e appassionato di jazz, e Kane

 se ne uscì con un'idea che lo lasciò senza parole:

mettiamo insieme tutti i jazzisti che riusciamo a trovare, gli disse, e li raggruppiamo in una sola istantanea.

Pura follia, pensò Benton, considerando che i musicisti erano la categoria più

vaga e imprendibile che ci fosse in giro, ma decise che comunque valeva la pena di

 dare una chance al giovane art director, che si mise subito all'opera. Era l'estate del 1958.

Duke Ellington

Max Roach Band

Il leggendario batterista Max Roach
suono' con alcuni dei nomi storici del jazz da Thelonius Monk a

Charlie Parker, da Coleman Hawkins a Dizzy Gillespie e Miles Davis.

Maxwell Lemuel Roach (New Land, North Carolina, 10 gennaio 1924 - New York, 16 agosto 2007)

è stato un batterista, percussionista e compositore statunitense, considerato uno dei più importanti esponenti del suo strumento nella storia del jazz.

I primi anni e gli esordi musicali
Nel 1928 il padre di Roach, che faceva il mezzadro, si trasferì con la famiglia a Brooklyn in cerca di migliori condizioni di vita.

Max scoprì la batteria molto giovane, durante le funzioni alla Concord Baptist Church, nel cui coro cantava la madre.

 Iniziò subito a suonare come autodidatta, dedicandosi anche al pianoforte.

Nel 1941 il giovane Roach, che sapeva leggere molto bene a prima vista le parti di batteria, fu chiamato da Duke Ellington a

 sostituire per una settimana al Paramount Theater il batterista titolare dell'orchestra, Sonny Greer.

Nel 1942 Roach, ormai musicista professionista, cominciò a suonare nei locali della Cinquantaduesima Strada, la culla del nuovo jazz.

Carriera e stile
Sulla strada tracciata da Kenny Clarke, di dieci anni più anziano, Roach è stato uno dei primi batteristi a

 codificare lo stile della batteria bebop, offrendo un contributo determinante

ai gruppi di Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Thelonious Monk, Coleman Hawkins, Bud Powell e Miles Davis.

 Roach è stato uno dei batteristi preferiti di Charlie Parker, e ha partecipato a molte tra le incisioni fondamentali

 di Bird prendendo spesso assoli rivoluzionari per l'epoca: memorabile, per esempio, quello sul brano Ko-Ko, del 1945, vero punto di svolta del jazz moderno.

Nel 1952 Roach si diplomò in composizione alla Manhattan School of Music, dove aveva studiato anche

arrangiamento e percussioni, e fondò insieme a Charles Mingus la Debut Records, uno dei primi esempi di autoproduzione discografica nella storia del jazz.

Nel 1954 contribuì a creare lo stile Hard Bop mettendo in piedi un quintetto composto da Clifford Brown alla tromba, Harold Land al

sax tenore (sostituito l'anno seguente da Sonny Rollins), Richie Powell al piano e George Morrow al contrabbasso.

Dopo la morte di Powell e Brown in un incidente stradale avvenuto nel 1956, Roach continuò a suonare in quintetto

con Kenny Dorham, poi sostituito da Booker Little (che morirà a sua volta nel 1961 di uremia, all'età di 23 anni) alla tromba, Rollins (cui subentrerà George Coleman)

al sax tenore e Ray Bryant al pianoforte; in questo periodo Roach tentò di uscire dalle convenzioni

Hard Bop utilizzando i ritmi in 3/4 (fino a quel momento usati in maniera sporadica nel jazz) e incidendo nel 1957 l'album "Jazz in 3/4 Time".

Per il resto degli anni Cinquanta Roach incise per l'etichetta Mercury, abbandonando a un certo punto il

sostegno armonico del pianoforte allo scopo di conferire maggiore libertà ai solisti. Tra i musicisti cui Roach, in questo periodo, ha

dato l'opportunità di imporsi sulla scena del jazz vanno segnalati Donald Byrd, il trombettista Tommy Turrentine e

 il fratello sassofonista Stanley Turrentine, il trombonista Julian Priester, il giovanissimo tubista Ray Draper, che esordì

con Roach all'età di 16 anni, i già citati Booker Little e George Coleman e i contrabbassisti Art Davis, straordinario virtuoso, e Bob Cranshaw.

In quegli anni, Roach ha dato spazio anche a giovani compositori che hanno poi avuto una brillante carriera: tra gli altri, il pianista

 Muhal Richard Abrams, la cui prima composizione (Lepa) è stata incisa dal quintetto di Roach nel 1959, e il contrabbassista Bill Lee, padre del regista Spike Lee.

Nel 1960 Roach compose e incise per la Candid "We Insist! Freedom Now Suite", un lavoro basato sui testi del

poeta e cantante Oscar Brown Jr. e scritto in occasione del centenario della "proclamazione di emancipazione" di Abramo Lincoln.

Un'operazione così esplicita, per l'epoca (anche per quanto riguarda la copertina del disco, volutamente provocatoria), contribuì all'inserimento

di Roach nella "lista nera" dell'industria discografica americana nella seconda metà degli anni Sessanta, e lo costrinse a diradare la sua presenza in studio d'incisione.

 Fa eccezione il disco "Drums Unlimited" che, oltre ad alcuni brani col suo gruppo regolare, presenta tre pezzi per sola batteria:

questo servì a dimostrare, una volta per tutte, che la batteria è uno strumento a pieno titolo, in grado di suonare temi, variazioni e melodie.

Questa esperienza venne ripetuta ed ampliata alla fine degli anni Settanta con la fondazione di "M'Boom", un gruppo

 formato da soli percussionisti

 (in cui hanno figurato, tra gli altri, Roy Brooks, Joe Chambers, Omar Clay, Ray Mantilla, Warren Smith, Freddie Waits, Kenyatte Abdur-Rahman e Fred King)

 che ha inciso diversi dischi e compiuto molte tournée, soprattutto in Europa.

Nei primi anni Sessanta Roach ha inciso due importanti album per l'etichetta Impulse, Percussion Bitter Sweet (con Eric Dolphy e Mal Waldron) e It's Time, che vede anche la partecipazione di un coro di 16 elementi.

 Negli anni Settanta ha poi fondato un quartetto, sempre senza pianoforte, in cui sono transitati musicisti di pregio

 come il trombettista Cecil Bridgewater, i sassofonisti Billy Harper e Odean Pope, i contrabbassisti Reggie Workman, Calvin Hill e Tyrone Brown.

Spesso, negli anni Ottanta, ha unito al suo quartetto regolare un quartetto d'archi guidato dalla figlia Maxine Roach, che suona la viola.

Gli anni Ottanta e Novanta hanno visto Roach cimentarsi con una molteplicità di progetti: dischi per sola batteria;

 concerti e incisioni in duo, con Anthony Braxton, Cecil Taylor, Archie Shepp, Abdullah Ibrahim, Dizzy Gillespie e la pianista Connie Crothers, allieva

 di Lennie Tristano; performance multimediali, concerti con gruppi rap, musiche di scena

per spettacoli teatrali (tra i quali uno di Sam Shepard) e molte altre attività.

Dal 1962 al 1970 Roach è stato sposato con la cantante Abbey Lincoln, presente in molti suoi dischi.

Tra le innumerevoli registrazioni cui ha partecipato spicca "Money Jungle" (United Artists, 1962, oggi disponibile su Blue Note), con un trio

 composto da Charles Mingus e Duke Ellington: non un trio, un triumvirato, come mettono in evidenza le note di copertina dell'album.

Gli ultimi anni
Roach è sempre stato popolarissimo in Italia, specialmente a partire dalla metà degli anni Settanta e per tutti gli anni Ottanta, quando i suoi

concerti erano molto frequenti nel nostro Paese; inoltre per lungo tempo è stato sotto contratto con un'etichetta

discografica italiana, la Black Saint/Soul Note, per la quale ha inciso moltissimi dischi, sia con le sue formazioni regolari

 sia in incontri "al vertice" con altri famosi esponenti del jazz contemporaneo come Cecil Taylor e Anthony Braxton.

Da sempre impegnato nella didattica, nel 1972 fu nominato professore all'Università del Massachusetts ad Amherst, dove nello

 stesso periodo insegnava anche il sassofonista Archie Shepp, col quale Roach ha spesso suonato e inciso.

Verso il 2000 Roach è stato colpito da idrocefalo. Questo lo ha costretto dapprima a rallentare l'attività, infine a interromperla

 del tutto (il suo ultimo disco è del 2002, con il trombettista Clark Terry). Ricoverato da lungo tempo in una casa di cura perché

 non più autosufficiente, Roach si è infine spento nel sonno, nelle prime ore del 16 agosto 2007 ,   all'età di 83 anni nella sua casa di Manhattan.

 L'annuncio è stato dato da un portavoce della Blue Note, l'etichetta discografica per la quale ha spesso inciso, senza

specificare le cause della scomparsa. Il grande musicista afroamericano era malato da diversi anni ed aveva interrotto da tempo la sua attività.

Maxwell Roach aveva iniziato da giovanissimo la sua avventura musicale ed aveva sempre cercato di non

 restare legato a schemi e regole che giudicava vecchie e inutilizzabili.

 Per questo era diventato amico e compagno dei più grandi innovatori del jazz, con i quali ha collaborato fino agli ultimi anni della sua carriera.

Avventuroso e curioso, Roach ha contribuito in maniera fondamentale ad allargare i confini del jazz, sia come virtuoso

del suo strumento che, più in generale, come compagno d'avventura dei più grandi musicisti del jazz, fornendo un solidissimo

 e brillante accompagnamento alle formazioni in cui ha militato, arrivando a elaborare composizioni dedicate

 esclusivamente alla batteria, evidenziandone le possibilità melodiche, oltre che percussive, fino a diventare un leader, forte di doti improvvisative incomparabili.

Personaggio affascinante e ricco di vitalità, Roach è stato anche uno dei protagonisti della battaglia per i diritti civili del

popolo afroamericano, trasformandosi dagli anni Sessanta in poi in un attivista fervente

 (una delle sue opere di maggior successo è We Insist! Freedom Now Suite, del 1960, con la splendida

voce di Abbey Lincoln, che nel 1962 diventerà sua moglie), protagonista di molte battaglie sociali fino agli ultimi anni della carriera.

"Non suonerò mai più musica che non ha un significato sociale", dichiarò al mensile Down Beat

 dopo la pubblicazione del disco e fino alla fine ha mantenuto fede a questa sua promessa.

Nato nel 1924 a New Land e cresciuto a Brooklyn, Roach ha iniziato il suo lungo viaggio nel mondo

 della musica quando era ancora un teenager, nel 1941, suonando prima con l'orchestra di

Duke Ellington e poi, in una jam session, con il giovane Charlie Parker, con il quale dividerà in seguito una parte del suo percorso musicale.

Kenny Clarke, di dieci anni più grande, è considerato il primo batterista be bop, ma è Roach con il suo stile

energico e innovativo ad essere il "drummer" più importante di quella straordinaria stagione, un pioniere che in

pochi anni rivoluziona il linguaggio della batteria e porta lo strumento ad essere protagonista essenziale della costruzione del jazz.

 Alla metà degli anni 40 è già uno dei musicisti più attivi della scena newyorkese, con Parker e Dizzy Gillespie nei club

 della 52esima strada e alla fine del decennio è al fianco di Miles Davis.

Diventa un leader negli anni Cinquanta, quando assieme a Clifford Brown forma uno straordinario quintetto che vede

il sassofonista Sonny Rollins diventare una star e nascere l'hard bop.

 Nella sua band negli anni sono passati personaggi fondamentali come Eric Dolphy, George Coleman, Donald Byrd, e allo

 stesso tempo Roach ha continuato a collaborare con tutti i grandi del jazz, da Charlie Mingus a Thelonious Monk, da Archie Shepp a Anthony Braxton.

Roach è stato tra i primi musicisti neri a insegnare in un università americana, ha collaborato con Sam Shepard

per alcune produzioni teatrali, ha lavorato con rapper e dj negli anni Ottanta e con videoartisti

come Kit Fitzgerald, testimoniando con la sue molteplici attività una personalità creativa e straordinaria.

Billie Holiday

Miles Davis

Nel 1951, Miles si trovava completamente nell’inferno della tossicodipendenza.
Pochi club, tra cui il prestigioso Birdland accettavano lui e la sua band, della quale facevano

parte anche Sonny Rollins e un quasi ventenne Jackie McLean ma che già suonava alla grande.
Deciso a rimettere in sesto la sua reputazione, Miles, tornò anche ad esercitarsi per rimettere in forma le sue labbra.

Inoltre nel 51 venne fuori una nuova tecnologia per registrare chiamata “microsolco” che consentiv

a di andare altre il limite dei 3 minuti e quindi suonare gli assolo come nei club.

Nei 3 minuti imposti dai 78 giri non c’era abbastanza spazio per fare un improvvisazione, come invece avveniva nei locali.

Miles sarebbe stato il primo musicista a registrare in studio un 33 giri.

Per l’occasione chiamò Sonny Rollins, Art Blakey, Tommy Potter, Walter Bishop e Jackie McLean che era alla sua prima registrazione.

Miles era in forma e aveva fatto provare molto tutta la band, cosi tutti suonarono veramente bene.

 L’album, registrato per la Prestige, venne chiamato Miles Davis All Stars.

Charles Mingus suonò in “Conception” anche se il suo nome non compare poiché aveva un contratto in esclusiva con la Verve.

Nel ’52, Miles decise che era arrivato il momento di uscire dal tunnel, e pensò che la boxe avrebbe potuto aiutarlo.

 Era un appassionato e decise di chiedere di essere allenato a Bobby McQuillen, un ex pugile, era stato un grande

 peso welter finché non mollò dopo aver ucciso un tizio sul ring, e si mise ad allenare.
McQuillen lo guardò disgustato e gli rispose che non avrebbe mai allenato

 un tossico, che doveva tornare a casa a St. Louis e smettere con quella roba.
Dopo quelle parole, Miles, chiamò suo padre per farsi venire a prendere.
Ma nemmeno a casa, riuscì a star lontano dall’ago e senza nemmeno accorgersene era tornato a bucarsi.

Arrivò ad urlare ed insultare suo padre all’interno del suo studio dentistico con tutta la gente a guardarlo stranita.

Cosi il padre lo fece rinchiudere in galera per un po’, ma facendo in modo che quell’arresto non risultasse ufficiale.

La prigione lo tenne lontano dall’eroina per un po’, ma appena uscì, bucarsi fu la prima cosa che fece.
Il padre lo portò nella prigione federale per i tossicomani per la riabilitazione, ma Miles convinse

 il padre che ne sarebbe uscito da solo e tornò a New York.

Poco a poco ricadde nel vizio, continuando a ripetersi che prima o poi ne sarebbe uscito, si trattava solo di decidere il quando.

Il 1953 sembra l’anno del riscatto, Miles sembra in ottima forma e ottime sono le registrazioni di quell’anno.

Ma l’eroina continua a tenere stretto il trombettista.

 Miles riusciva a sopravvivere con i soldi che tirava su dalle donne come pappone, si ritrovò a impegnare oggetti non suoi e perderli.
La stampa rivelò i nomi di molti dei musicisti tossici tra cui Miles Davis, e dopo che la cosa

divenne di dominio pubblico, fu difficile trovare di nuovo lavoro.
Tornò per un po’ a St. Louis per ripulirsi, o almeno ci provò, ma con scarsi risultati.
Partì insieme a Max Roach e Charles Mingus per la California, giusto il tempo di suonare un po’ con Max, conoscere

Frances Taylor, che più avanti sarebbe diventata la prima donna spostata legalmente, rischiare la prigione e ritornare a farsi di brutto.
Per la 3° volta tornò a casa per disintossicarsi, ma questa volta era convinto che ci sarebbe riuscito, molti musicisti

avevano già smesso da tempo con quella roba, altri ne erano stati uccisi.
Arrivato alla fattoria del padre, decise di chiudersi a chiave nel piccolo appartamento di 2 stanze nella

dependance di quell’enorme fattoria e rimanere li a superare da solo le sue crisi d’astinenza.

Miles parla di una sofferenza indescrivibile, dolori in tutto il corpo che andarono avanti per circa

una settimana senza nemmeno riuscire a mangiare finché un giorno tutto finì.

 Finalmente fuori, pulito nuovamente affamato.

Adesso bisognava rimettere in piedi la propria vita e carriera.

 

Jerry Mulligan

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